En las calles del mundo: pagina street art

Streetsy es un sitio web dedicado a todas las formas posibles de arte callejero: pósters, calcomanías, graffiti y esculturas improvisadas. Cada día publican una nueva fotografía tomada en la vereda de alguna ciudad del mundo, y ya cuentan con varias páginas de imágenes que muestran la creatividad de cientos de anónimos artistas.

http://www.streetsy.com/

artistas e ideas:::: en busqueda de_____(camino del artista)

Bit.fall, una instalación de Julius Popp.


bit.fall es una catarata de palabras creada por Julius Popp. Este artista alemán ha empleado un sistema de riego por goteo controlado por ordenador que libera gotas de agua en momentos precisos para crear formas predeterminadas. Las palabras ‘llueven’ desde el techo y desaparecen cuando impactan contra el suelo.

Nos encontramos, según su creador, ante una metáfora del incesante flujo de información al que estamos expuestos.


http://www.youtube.com/watch?v=ygQHj1W0PPM&feature=related


otras obras son
Bit.Code
http://www.youtube.com/watch?v=Zt7HlTnZXLw&feature=related

Bit. flow de 2008
http://www.youtube.com/watch?v=OD19qyL9a3Q&feature=related

BarteFusion: Hiroshima Mon Amour...entre el amor y el recuerdo

BarteFusion: Hiroshima Mon Amour...entre el amor y el recuerdo

"INFINITUD VERTIGINOSA"

“Infinitud vertiginosa“, Proyecto de Título de Pilar Maceiras.

Lugar: Sala de Montaje Escuela de Artes Visuales. Facultad de Arte Universidad Mayor. Santo Domingo 711. Metro Bellas Artes.

Descripción: Esta obra trata básicamente de representar los aspectos constitutivos del laberinto. Es decir, la construcción de un determinado espacio en donde se plantea un recorrido. En el caso de esta obra no se trata solo del recorrido del sujeto o espectador por el laberinto, sino también en el recorrido del patrón serigrafiado, que en su repetición, reproducción y reflejo se torna laberíntico. El juego de espejos hace posible esta multiplicidad del recorrido, los patrones impresos en estos, se despliegan mas allá de ellos mismos para devolver la imagen del espectador como parte del recorrido mismo, como si este fuese el punto desde el que el laberinto se despliega. Sin origen o término la imagen grabada y repetida se funde sobre la figura del espectador, que esta siempre en el centro del laberinto, de ahí la forma triangular de este, que hace hincapié en el centro del laberinto como único objeto.

Exhibición: Desde el Miércoles 17 de Junio hasta el Sábado 18 de Julio [Inauguración Miércoles 17 a las 19:00 h]

Horario: Lunes a Sábado, de 10:00 h a 20:00 h

Hiroshima Mon Amour...entre el amor y el recuerdo

Título Original: Hiroshima mon amour
País: Francia
Año: 1959
Género: Drama, Romance
Guión: Marguerite Duras
Director: Alain Resnais
Intérpretes: Emmanuelle Riva (la mujer), Eiji Okada (el hombre), Bernard Fresson (el alemán), Stella Dassas y Pierre Barbaud (los padres).

Esta es una excepcional película, que marca el debut como director de Alain Resnais, después de una década de producir documentales cortos. Efectivamente, Hiroshima mon amour comenzó como un documental sobre la reconstrucción de Hiroshima, y los primeros quince minutos de la película usa partes del material del documental para lograr un gran efecto para señalar la escena.

Como muchas de sus subsecuentes películas, Resnais usa su único acercamiento de entretejer las memorias y los eventos actuales para crear una ilusión de un tiempo fantasmal eterno. Las frases son repetidas una y otra vez, la cámara panea letárgicamente sobre el escenario mustio, y el dialogo es reproducido sobre el material documental de la reconstrucción de Hiroshima. Genera un efecto de profunda impresión de pesadumbre y tormento auto infligido, perfectamente capturado por la actuación cargada de emoción de Emmanuelle.


Un tema central de la película es necesario para llegar a términos con el horror del pasado. Ambos personajes en la película (la actriz y el arquitecto) tienen dolorosos recuerdos de la guerra, y su vínculo parece representar algún tipo de acercamiento entre el Este y el Oeste. “Tu eres Hiroshima. Tu eres Nevers” es como la película termina, sugiriendo que el tormento del desastre de Hiroshima, como el doloroso romance, algún día serán olvidados.

Pocas películas dejan tan duradera impresión como el Hiroshima mon amour de Resnais. La impresionante fotografía del Hiroshima contemporáneo, mezclada con deprimentes imágenes del tiempo de la guerra en Francia, es arte puro, traída a la vida por la música también. Aunque carece de la estructura tradicional del formato de cine, esta película ofrece una experiencia que es sumamente más gratificante y profundamente emotiva.



Una de las escenas
http://www.youtube.com/watch?v=cC8xw3JTE5Y

Gonzalo Rabanal: LA IMPOSIBILIDAD DEL OLVIDO

Trabajos sobre la Memoria Personal y Colectiva.



Desde una clara voluntad perturbadora y desalienante, el extenso trabajo performativo de Gonzalo Rabanal (Santiago de Chile, 1959) , lleva la impronta y la autoexigencia de ver-analizar situaciones individuales y colectivas, propiciando desde ellas inestabilidad que reclaman cambios.

Sus obras interrogan los signos, conceptos y símbolos aparejados tras diversas tensiones de su entorno, tales como situaciones familiares, sociales y políticas, las que desmantela a partir de provocadores cuestionamientos que se enraízan con sus privadas e íntimas experiencias de vida, a las que alude, y exhibe descarada y reiteradamente en acciones, previamente planificadas, que en ocasiones dejan paso al rapto azaroso de la vida, y en las cuales se involucra psíquica-emotiva y físicamente de manera extrema, hasta el máximo asomo de vulnerabilidad como en El Cría Cuervos (MAC (Museo de Arte contemporáneo), Santiago – Chile, 1999), donde el artista en tanto padre de familia llega a un acuerdo con su hijo varón, mayor de edad, para que este lo castigue públicamente. El artista - padre se dispone en el lugar preparado para la performance con parte de su cuerpo (pies, pantorrillas, rodillas, pubis, parte del torso, manos y antebrazos) envuelto con telas blancas a modo de vendas viejas que cubren antiguas heridas (las heridas del drama de ser padre, del riesgo que ello conlleva, del peso filial-emocional involucrado y del deber social encomendado a partir de patrones culturales entregados que demarcan tal misión, y de la frustración ante el fracaso del cometido, el que jamás se logra alcanzar en integridad , aunque se destinen todos los espacios de tiempo posible para ello), y con un arne negro, el que esta unido a varias cadenas metálicas, las que junto a otras colocadas en los pies del artista ayudarán a levantarlo para colgarlo, acto en el que Rabanal colabora presurosamente, como en un afán auto castigador, permitiéndole a sí a su hijo que se haya vestido formalmente, como destacando la importancia de la ocasión, lograr en el lugar acordado de la venganza la consumación de esta, lo que realiza mediante una toalla mojada, con la que da 27 fuertes azotes sobre el tenso cuerpo del artista-padre.
En esta obra Rabanal en tanto padre se reconoce a sí mismo como figura de poder, que con sus jerarquías, sus inspecciones, los ejercicios socialmente aprendidos que enseña a sus hijos para que estos logren comportamientos adecuados, sus condicionamientos y domesticaciones, es capaz de castrar, y es frente a ello, que opera llevando a cabo, hasta las últimas consecuencias un desgarrador ritual, que busca liberar catárticamente a los protagonistas y a los espectadores de la acción, de las implicancias clásicas de las relaciones padre-hijo, mediante aquel acto de purificación, que permite pensar nuevos y más sanos modos de vinculación filial .
Así sus performances, en tanto invitaciones a plantearse crítica y entrañablemente sobre las relaciones de la sociedad y de sus estructuras internas, se transforman en instrumentos de acción social y arma de combate, donde pone en jaque a los establishment político-sociales que rigen nuestro accionar como ciudadanos, como personas, tal cual, lo presenciamos en su performance Mal Decir la Letra donde problematiza la verticalidad de la educación familiar y escolarizante , como también a los poderes que rigen a las artes visuales en Chile, como a nivel internacional, tal cual se aprecia en Enséñame tu i-coño, donde con el colectivo DEFORMES ejecuta una parodia con la que contaminan la historia oficial del arte chileno, para lo cual toman catálogos que acompañaron muestras realizadas entre los años 1975-1990, como la denominada Lonquén, efectuada por Gonzalo Díaz, y realizan el doblaje de fragmentos seleccionados para marcar un audio como referencia de acción. En todo ello, vemos como Rabanal opera interpelando de manera directa a los sistemas de poder, abatiendo sus estructuras ocultas, con sus gamas de exigencias y apremios, sus juegos de inclusión, exclusión y rechazo, y muestra descarnadamente las derivaciones que estos han anidado en el cuerpo social en su conjunto, derivaciones que nos hablan de decepciones, resentimiento, desolación, traumas, etcétera, que se acunan en las estructuras corporales y de ser de cada persona, por ende, en el propio artista -quien en sus obras nos entrega su cuerpo como alegato de aquello-, y en cada uno de nosotros (as).
En ello, Gonzalo Rabanal exhibe una persistente preocupación por la memoria histórica personal como colectiva, desde una postura carente de melancolía, que evidencia que la praxis artística sólo tiene sentido si se involucra totalmente en un proceso desarticulador de los códigos existentes, en un transcurso contemplativo de las posibilidades de nuevas coyunturas y en un proceso transformador de la sociedad, como lo postula en su obra Padres, Hijos y Madres, la cual acoge nuevamente a su cuerpo desde el descubrimiento de sus debilidades y su insalvable temporalidad, el que en cuanto dispositivo sitúa en uno de los espacios del Centro Cultural Recoleta (18:30 hrs. , 16 de junio de 2007, Encuentro “Corpolíticas en las Américas: Formaciones de Raza, Clase y Género”, organizado por Instituto Hemisférico de Performance y Política, por el Centro Cultural Recoleta y el Teatro Empire, Buenos Aires-Argentina), una alfombra tramada a través de costuras realizadas por el artista, tapiz que posee tres partes, un rectángulo formado con ropas color rojo (prendas usadas, testimonios de vidas que cobijaron muchas pieles con sus añoranzas, sus dramas y tensiones cotidianas, prendas compradas en ferias libres del sector sur de Santiago de Chile, donde se ubican sectores populares), el que se une a un rectángulo configurado con ropas color negro (las prendas son del mismo tipo antes mencionado), formando su unión el símbolo rojo y negro que tantos sueños de transformación social y revolucionaria acuñaron en el seno de Latinoamérica y el mundo. Símbolo manoseado y degradado innumerables veces por diversos sectores políticos a nivel internacional, inclusive por aquellos mismos que lo enarbolaron, y que hoy destila las últimas ráfagas de su sentido inicial, en un mundo donde el mercado ha neutralizado y moldeado los imaginarios revolucionarios a su gusto (examínese la imagen del Che Guevara impresa en miles de prendas de vestir que se venden en distintas partes del planeta), y donde muchos de los propios actores involucrados en la trama mencionada han desistido y renegado de su participación y accionar.
Aquel rectángulo rojo y negro, habla de aquello, y también de la vida del artista, ex militante del MIR (Movimiento de Izquierda Revolucionaria chileno), quien acuño una serie de esperanza para y junto a padres, hijos y madres, que hoy parecen lejanas. Rabanal, toma este rectángulo, bandera, símbolo vaciado, y se pregunta por su propia responsabilidad histórica, y por nuestra carga como actores sociales, y para ello une en continuidad a este rectángulo rojo-negro, una tela blanca, un nuevo rectángulo, que cubre-oculta tierras de tonos rojizos. Sobre el paño blanco se recuesta el artista boca arriba en conexión con el cielo, con el infinito y con su conciencia, creando una escena que convoca a seis jóvenes, 03 de ellos argentinos y 03 chilenos, los cuales vestidos de negro al igual que el artífice, humedecen diversas indumentarias de gama roja, que poseen las mismas características que las usadas para la realización del paño-bandera rojo y negro, con las que fustigan la pulcra tela blanca que rodea a Gonzalo Rabanal, emergiendo en dicho trance una mancha rojiza como prolongación de esos géneros que pegaron sobre el suelo-paño blanco, por tanto, de la energía de los jóvenes. Macula que parece anunciar los golpes que recibe el performista por parte de aquellos, quienes le dan cinco azotes cada uno, aumentando con ello la tacha ya creada. Cabe agregar, que el cuerpo del performista, junto a la mancha roja que germina, conforman una nueva bandera que replica en su semejanza a la conformada por las prendas de vestir. Así a quien fustigan los jóvenes es a la bandera rojo y negro, prorrumpiendo en dicho acto a la reminiscencia histórica de esta y su vinculación con la circunstancias actuales, inquiriendo en ello a estas últimas; al tiempo que por la “disposición” del artista, este nos abre a su propia memoria personal y a las de muchos como él. Y en ello, persiste en interpelarnos y nos abisma nuevamente requiriéndonos respecto al débito que cada uno de nosotros posee en la configuración de las historias colectivas y particulares.

Rabanal en esta performance nos entrega su cuerpo desgarrado como apertura sacrificial, en un afán de desanestesiar nuestras conciencias-memorias, con el fin de cuestionar y denunciar el olvido de cuestiones fundamentales, como nuestra participación en el incumplimiento de la consolidación de los procesos democráticos en Latinoamérica, la indiferencia respecto a la necesidad permanente de justicia y respuesta por ejemplo, sobre los detenidos desaparecidos, que no le pertenecen tan solo a sus familiares directos, a sus madres, hijos y padres que los lloran, sino que también a cada uno de nosotros, en la medida que son parte de nuestra memoria colectiva, que son parte de los sueños personales y sociales perdidos y quebrantados, y de que son el recordatorio de que siempre existe el peligro del afloramiento de ideología totalitarias y destructivas, instancias las cuales se deben evitar. En esta performance indudablemente el espectador acaba siendo testigo y cómplice de la mortificación por la que atraviesa el artista, no pudiendo rehuir al desafío instalado por la obra.
Cabe agregar, que las obras políticas de Rabanal , se desplazan de lo concebido convencionalmente como lo político, por la disposición de sus prácticas, las cuales, en un proceso de interpelación re-configuran las grafías de visibilidad, dando espacio y lugar, a otras disímiles formas de expresar y percibir, y nos enfrentan e instan a una toma de posición, y a una reacción que involucre una capacidad crítica.

Gonzalo Rabanal

La memoria personal

Momentos recortados de la relidad, momentos perdidos, lejanos, a los que la memoria personal ya no alcanza y de los que la memoria colectiva apenas sabe nada, esto es otro pequeño ejemplo de lo que estamos hablando, fotos de un grupo de mujeres y niñas, ¿un internado o un grupo social de la epoca?, nada, no tenemos nada, sus rostros son fantasmas son de un pasado que no alcansamos a ver.

Pero tiene una belleza interna y una historia irreconocible, pero que pasa con fotos de familias de nuestros abuelos ya fallecidos esas fotos en sepia o en blanco y negro que nunca conocimos, es intersante la recopilacion del recuerdo del pasado y como vamos armando en nuestra mente historias ilusas del pasado familiar de cada uno.

Muchos artistas toman la memoria para realizar diversos trabajos basados en la memoria corporal, huellas dejadas por operacion, atropellos, etc.

Uno de los intersantes trabajos es de Gonzalo Rabanal.

Memoria como proceso de reconstruccion historico-social.

La memoria de un hombre del 73 es distinto al tiempo del 2010 (osea nosotros), una influencia generacional y si somos testigos es distinto ya que determina una vinculacion con el contexto que en ese momento nos rodea.
Ser testigo o no es determinante, antes o durante o despues que yo naciera.


La reconstruccion historica como relato a partir del enlace entre recuerdos que componen una narracion historica como en el libro de Benjamin con el capitulo del RL NARRADOR.

La memoria ahora es plural, las comunicaciones son rapidas e instantaneas, diversos medios para estar comunicados ( diversas fuentes), y todo al mismo tiempo, como son los sitios de informacion que nos ofrece el internet.
Si las fuentes estan a la mano la contruccion es mas facil, la experiencia de vida es muy distinta a una contruccion y fuentes escasas (cambia la estructura del proceso).

La memoria y el olvido. es un lugar psiquico de las personas, provocando un trauma de memoria- olvido (ausente en donde tambien es algo presente).

LA MEMORIA y ASPECTOS GENERALES.

El recuerdo:
Ejes que debemos tener en cuenta:
.La union de este proceso es decir la memoria con el objeto u cosa.
"AQUELLO QUE SE RECUERDA".
.La recuperacion del lugar oroginal de la memoria: el objeto es " arrancado del pasado" y "arrojado a un presente".
.Reconocer o revisitar lo acontecido.
.El tema de lo objetivo y lo subjetivo. ¿ Cuales son las tensiones entre "OBJETIVIDAD" ?.
.La temporalidad de la memoria.
" el fundamento del tiempo es la memoria."

Tenemos diversos tipos de memoria:
MEMORIA COMO PROCESO DE RECONSTRUCCION HISTORICO-SOCIAL.
RECONSTRUCCION HISTORICA.
MEMORIA Y OLVIDO.
MEMORIA Y OLVIDO COMO CONTINUIDAD.
MEMORIA SOCIAL.
MEMORIA PERSONAL.

Marisa Niño: modelos y sus ciatrices.

Marisa Niño desarrolla impactantes proyecto artistico:

Todo comenzo cuando vio la pelicula Crash de 1996 de David Cronenberg descubrio un nuevo mundo de fetiches y erotismo en el que las cicatrices, sin importar cuan horribles fueran, podian convertirse en facinantes atributos fisicos.

Imprecionada por ese film, que describia las vidas de personas cuyos impulsos sexuales estaban intimamente conectados con la violencia y el peligro mortalde los choques automovilisticos, la artista decidio realizar una serie de imagenes protagonizadas por personas que tuvieran cicatrices en sus cuerpos.

Ese proyecto, que ya le ha demandado un año completo de trabajo y constituye la tesis con la que culminara sus estudios de fotografia, alcanzara su forma definitiva cuando imprima los conjuntos de retratos de quince laminas.

Por ahora esta preocupada de conseguir suficientes modelos para completar la cantidad que desea incluir en su trabajo y por ello ha lanzado una invitacion dirigid a todas aquellas peronas que poseen cicatrices de ser inmortalizadas y exibidas.

Dice: "Voy a recibir voluntarioas hasta Junio de este año, porque despues debo concentrarme en el aspecto teorico de esta obra, que esta vinculado con la huella, el cuerpo, la marca, el tiempo y la memoria, asi como preguntas acercade cual es el limite artistico entre lo bello y lo defrome y que es lo que entedemos por belleza."

Exposición, La pintura en tensión

De la chilena Natalia Babarovic y el argentino Carlos Huffmann

En exposiciones independientes pero compartiendo un mismo espacio, la artista chilena Natalia Babarovic y el artista argentino Carlos Huffmann reúnen sus planteamientos en torno a los destinos de la pintura en la actualidad.

La obra pictórica de la chilena Natalia Babarovic y del argentino Carlos Huffmann se encuentra en una nueva exposición de la galería Departamento 21. Sin coincidencias aparentes, ambos artistas abordan la pintura como una instancia investigativa, integrando abiertamente una dimensión teórica y analítica en su producción.
En el caso de Carlos Huffmann, la influencia iconográfica contemporánea es un elemento ineludible y al mismo tiempo rescatado por él como una fuente de reflexión. Se inspira en la televisión, los videojuegos, los dibujos animados, la mitología, los conocimientos filosóficos y todo un cúmulo de lecturas personales, de singular transversalidad, que según explica, actúan como un “sedimento” de su obra.

Cuando:

Desde el 11 Junio al 12 Julio 2010

Donde:

Departamento 21

Nueva de Lyon 19, Departamento 21. Providencia

Horarios:

Valores:

Entrada liberada

Exposición ¿Como documentar el mundo sin renunciar a asumir una posición, la mía propia, en este mundo?

De fotógrafo chileno Cristóbal Traslaviña La exposición presenta una serie de fotografías análogas color y, blanco y negro, tomadas en situaciones reales y que dan cuenta de lo que acontece desde un ángulo más salvaje y crudo de la sociedad. El proyecto nace desde la inquietud de plasmar, a través de imágenes estáticas, un mundo íntimo y desarraigado, camuflado y protegido en los placeres desdichados: el mundo de la noche, la droga y la prostitución.

Cuando:

De Martes a Sábado, desde el 28 Mayo al 20 Junio 2010

Donde:

Centro Cultural Matucana 100

Matucana 100 Santiago

Horarios:

Desde las 11.00 a las 13.00 hrs. y de 14.00 a las 21.00 hrs.

Valores:

Entrada liberada

Exposición, Digi Pop 2010

Exposición de arte, de variados artistas
La muestra de Galería QUQU rescata una variada selección de obra reciente inspirada en la estética Pop, y que investiga la integración de lo digital en el quehacer artístico.
La muestra incorpora Pintura, Técnicas Gráficas y Grabado Digital en gran diversidad de técnicas y formatos.
Todos con descuento especiales de hasta un 30%.

Cuando:

Desde el 28 Mayo al 05 Junio 2010

Donde:

Galería de Arte QUQU

Av. La Dehesa 1736. Lo Barnechea

Horarios:

Lunes a Sábado 11:00 a 19:00 hrs.

Valores:

Entrada liberada

Exposición, Francisca Sutil expone su obra más íntima

Muestra de la artista abstracta titulada, Interludio

La muestra reunirá 30 pinturas que son el resultado de un año de trabajo durante el 2008.

Luego de exponer hace cuatro años una gran retrospectiva de su obra en el Museo Nacional de Bellas Artes, Francisca Sutil ha realizado varios viajes, principalmente en Europa, durante los cuales tuvo “la necesidad de estar más profundamente en contacto con lo que ha sido el origen de la pintura. De hecho me propuse no ver pintura contemporánea”. De esa manera, según cuenta la artista, se fue “impregnando con una pintura que tenía otra escala y que era más íntima”.

Cuando:

Desde el 18 Mayo al 19 Junio 2010

Donde:

Galería Animal

Av. Alonso de Córdova 3105. Vitacura

Horarios:

Lunes a Viernes de 9:30 a 20:00 hrs.
Sábado de 10:30 a 14:00 hrs

Fine Tuning VOL. V / La tierra que habla

Del destacado artista nacional Alejandro Quiroga

La muestra que Alejandro Quiroga presenta en la Galería Animal aborda la pintura (acrílico sobre tela – papel) en la que la síntesis juega un rol capital. “Pienso en dos cosas elementales a la hora de hacer arte: las imágenes son pensamiento que se ve y que es imprescindible tomar riesgos”, explica el artista. Fine Tuning VOL. V / La tierra que habla reúne obras en gran formato confrontados a una serie de estudios o desarrollos temáticos sobre papel creando una propuesta gráfica que convive entre lo fotográfico y lo pictórico.

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Cuando: Desde el 18 Mayo al 19 Junio 2010 Donde: Galería Animal Av. Alonso de Córdova 3105. Vitacura Horarios: Lunes – Viernes de 9:30 a 20:00 hrs. Sábado de 10:30 a 14:00 hrs.

La realidad Distorcionada de Strindberg: El pelicano:

25 de Mayo:

Strindberg escribió Pelícano en los últimos años de su vida, cuando su afán de modernidad, de buscar nuevos caminos a la literatura, fue más intenso que nunca. Siguiendo las corrientes de vanguardia de la época se interesó por el teatro de cámara que estaba surgiendo en la Europa Central. Su origen es la mala conciencia del ser humano y por vivencias personales con el sexo opuesto.
Pelícano es la historia de los últimos días de una familia marcada por el horror. Luego del funeral del padre, la madre y sus dos hijos, continúan habitando la antigua casa. No existen rastros de amor ni recuerdos que unan a estos extraños y misteriosos seres.


Tenemos diversos ejes de analisis una de ellos son:
-Los personajes: Hija: Gerda: le da dentro del soporte un caracter mas humano, es en donde el personaje apunta a la verdad, es una hija vengadora y que dentro de esta farza despierta del sueño.

-El drama: Premisa cientifica en donde el rol de la madre que deberia ser una contencion afectiva muestra el lado opuesto es decir esa madre como fuente de quitar la vida, aqui se produce lo que llamamos NARCICISMO es en donde no se da cuenta lo que causa a su alededor, es incapaz de tener vinculos afectivos con los que la rodea una condicion de su personalidad es el egoismo:
en donde sus hijos mueren de frio, mueren de hambre, donde a ella todo le pertenece todo aquello que se le esta vedado, le arrebata el esposo a su hija y aqui aparece como un SUBCONFLICTO que es el SADOMASOQUISMO: que representa las relaciones de poder de sumision de ella, ella es la culpable, ella tuvo el poder pero se produce el decaimiento.
El yerno es mentiroso, es en donde la hija es utilizada por los dos su madre y su esposo, utilizan a la hija como pantalla como una farza dentro de la relacion prohibida de la madre y el esposo de la propia hija.

. Los hijos:
una escena donde el drama va cambiando paulatinamente es en donde los dos hermanos por primera vez se comunican y desde ese punto se comienza a develar la verdad se produce la afectividad la complicidad de los dos, el hermano trata de convencer a su hermana que esta metida en su fantasia que su esposo es una mentira que su propio matrimonio es una farza.
El hermano trata de onvencer que su propia madre es un ser destructivo y que los dos estan en riesgo y que deben luchar por lo justo, ahora sabemos que el padre es un hombre totalemnte contrario a lo que realmente se visualizaba tambien fue engañado.

Todo esto va a un fin dramatico su fin de los dos hermanos es conseguir su objetivo como se plantea en Aristoteles para conseguir el objetivo deseado existen estrategias es decir acciones y obstaculos es decir resistencias.
Tenemos estrategias concientes o inconcientes que se van encadenando para desenmascarar a la madre, encararla depesu de tanto años, los dos hermanos piensan en destruirla y que ella se de cuenta de su ser malvado es decir un develamiento y que ese fin sea suicidarse por consiguiente tener la reindicacion del padre.

Caracteristicas del hijo: .nuca se va hacer justicia con lo que esta pasando, nunca va a poder luchar con algo injusto se siente derrotado ya que es un abogado y a la vez un artista frustrado, siente un frio no solo fisico si no internamente y que lucha insesantemente por su padre ya fallecido.
Tiene un caracter de debilidad una extraña pasividad adicto al alcohol se autencierra en la tristeza y la melancolia y desde su melancolia y la hermana en su paralizacion se desarrolla un acto de revelacion salen de esa debilidad, despeirtan los dos del sueño y se hace mas palpable la realidad que viven, tiene los dos una capacidad de adquirir conciencia y fortaleza pero que atravez de la verdad llega la muerte de la madre que afirma haber sido una mala madre pero que no era su culpa si no que sus padres y la crianza estaba maldita, con un incendio en la casa quema por completo cada habitacion dentro de ella los dos hermanos abrazados, el incendio como metafora de limpieza, de quemar lo malo y renacer pero el unico fin para poder empezar de zero era la muerte atravez del incendio y del fuego.

Semiotica

La semiotica va a corresponder a la identificacion y luego la organizacion del soporte.
Si hablamos de los signos (todo lo que evoca), son aquellos que tienen un significado y un significante.
El significado esta relacionado con las sensaciones o as sonoridades del signo esta mas alla de los conceptos, tambien dentro de los signos tienen una ficcionalidad y una contrariedad es decir un signo dentro del soporte puede presentar relaciones o conoxiones pero tambien esas conexiones pueden ser una contraposicion frente a una situacion o que este dentro del soporte, ya que los signos estan organizados de una manera especifica.
Un ejemplo es la pelicula de El viaje de Korosawua, los signos dentro de este soporte son por ejemplo los cuadros de la sala, el cuerpo del protagonista, la aparicion del puente en la escena, mujeres lavando, el hombre que entra al cuadro, etc.
Pero tambien tenemos una subdivision dentro del soporte ya que se produce este viaje onirico y el aviaje corporio: ellos son la busqueda al camino de las pinturas de Vincent el busca encontrarse con el , llega para aprender, un viaje de los sueños donde el cuerpo pasa de la pintura del artista a la realidad onirica de las propias pinturas del autor.

(Bella de Dia) :pelicula.....Los sueños de Kurosawa

Hecha en francia de 1966, director: Luis Buñuel,
Sévérine, una joven casada con un atractivo cirujano, descubre la existencia de la prostitución matutina. Curiosa, Sévérine ingresa a la casa de citas de Anaïs y termina acostumbrándose a una doble vida. La aparición de Marcel, un delincuente que se enamora de Sévérine, complicará la cómoda situación de la protagonista es aqui donde se representa los sueños eroticos de una mujer donde sus sueños es el lugar placentero para vivir y sentir lo que ella realmente queria sentir siendo que en su vida real se prostituye , dos paralelos casi ironicos, quizas poco entendibles, pero lo fasinante es adentrarse en el mundo de sus sueños y la vida paralela
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Ocho relatos basados en los propios sueños del director nipón Akira Kurosawa. La relación del hombre con su entorno, la infancia, el arte, la espiritualidad, la muerte y la ecología son algunos de los temas abordados por Kurosawa, al tiempo que refleja las mutaciones socioculturales que ha sufrido Japón a lo largo del siglo XX.
Una pelicula inolvidable, estilo pos-imprecionista relacionado con el artista Vincent Van Gogh, podemos analizar dentro de esta pelicula que esta dentro de un soporte tras otro soporte, es decir Korosawua entra al cuadro pasando a los paisajes reales de Vincent.
Existe un texto poetico sobre este maravilloso viaje, habla de su trazo, la naturaleza vista por un caracter determinado y esta traducida por el mismo autor. (Bodeliere).

Rescatar el arte urbano.

http://www.youtube.com/watch?v=sZU2IMQl5cA&feature=player_embedded


Una manzana completa, en plena Quinta Normal, fue el soporte en el que un grupo de 30 graffiteros de Latinoamerica dio rienda suelta a su lenguaje artistico y social. Un trabajo que , lejos de asociarse a un acto clandestino, responde a un encargo conjunto entre Diego Mora y el arquitecto Eduardo Gonzalez, para apostar por una identidad urbana en la fachada de un outlet llamado Graffiti Moll.

Para muchos resukta un problema o un atentado cuando aparecen de la noche a la mañana inscripciones y dibujos en sus paredes; para el empresario colombiano Diego Mora es mas bien un regalo. "Siempre me ha despertado curiosidad e interes el tema", confiesa.
Fue asi como, relacionado comercialmente desde hace un tiempo con la zona de Carrascal, donde son habituales estas manifestaciones artisticas, Diego fue tomando contacto con estos verdaderos protagonistas del "street art" y armando una base de datos, sin saber que algun dia la llevaria a la parctica.
Hemse, Zesak, El dolor, Boster, Bufos, Fabio, Angel, entre otros graffiteros, quienes dentro de sus codigos se hacen llamar por sus seudonimo, fueron parte de los contactados por el empresario colombiano, y la oficina E+Arq Arquitectos, para bañar de color y expresion los cuatro frontis de unas antiguas bodegas.
El proyecto surguio a raiz de un galpon con cerca de cuatro mil metros cuadrados, que por años pertenecieron a una fabrica textil, para transformar el lugar en una area de negocios.
"Por sus dimensiones, el espacio tiene amplias posibilidades, pero parti hacendo uso de estas enormes bodegas como una liquidadora de stocks de menajes para el hogar.
El recinto fue aprovechado en su condicion de lugar basico con imagen de bodega, para trasmitir asi el concepto de mejores precios. Sin embargo, el gancho para convertir el espacio en un hito urbano reconocible fue indentificarlo con el tema del graffiti.
Una desicion absolutamente compartida entre los dueños de Graffiti moll y el arquitecto Eduardo Gonzalez, director de E+Arq Arquitectos, a cargo del proyecto. "Nosotros, entre comillas, nos apropiamos de esta imagen y por otro lado prestamos atencion al arte urbano", coinciden los profesionales.
Una renovacion urbana sumamente ingeniosa por la ausencia de costos. Porque los mismo graffiteros son los encargados de traer sus tarros de pintura, con la simple garantia de expersar libremente su lenguaje urbano en un mabiente de saba competencia.

BarteFusion: Integracion de las artes y sus significados.

BarteFusion: Integracion de las artes y sus significados.

BarteFusion: "La mujer triste de Ensor".

BarteFusion: "La mujer triste de Ensor".

Integracion de las artes y sus significados.

Conflicto dramatico: Se puede aplicar a distintos soportes, cuando hablamos de soporte queremos decir que puede ser el cine, pintura, musica, etc.
En el desarrollo dramatico tiene dos ambitos.

Ambito A:
1- Conflicto central unitario: es el conflicto central o el conflicto principal es decir es un solo gran conflicto dentro del soporte que comanda todo.
2- Conflicto central particulares compuesto: es cuando hay muchos conflictos combinados.
3- Conflictos adyacentes, complementarios o secundarios: es decir que en un soporte puede existir conflictos secundarios combinados con otros tipos de conflictos pero uno de ellos deben tener un conflicto adyacente osea que uno de ellos debe unirse a uno de los conflictos multiples que exiten dentro de la pintura u otro soporte artistico.

Ambito B: que esta relacionado con el ambito a

1- Conflicto de relacion bilateral: es cuando hay una oposicion de intereses de dos personas o entre dos realidades cuando vemos en el soporte pictorico o teatral.

ej: necesidad que existe en mi pero aparece un obstaculo en mi camino y el otro tiene otra necesidad o no quire que logre lo que yo quiero.
Un ejemplo en avaricia es la lucha entre los dos protagonistas donde la plata se hace el conflicto central pero uno de ellos quiere obtenerlo para siempre y trata por todas sus fuerzas incluso matar para quedarse con el.
Tambien otro ejemplo seria en el cuadro de Ensor es que en ambos esqueletos existe un conflicto interno de poder calentarse uno mas que el otro.
2-Conflicto de ralcion multilaterales: es cuando existe un conflicto entre una persona contra 3 o mas personas.
3- Conflicto bilaterales o multilaterales inmateriales: es cuando hay uno o mas de uno dentro del soporte es decir ersonajes o relaciones y existe una fuerza contraria pero esta no aparece es decir que puede que este afuera o no este fisicamente.
4- Conflictos individuales externos sociales: es decir uno como persona en contra de la sociedad o muchas personas en contra de la sociedad. La sociedad es un signo concreto.
ya puede ser por:
-perjuicios.
-una relacion de significancia contra la sociedad o un sitio en especifico.
5-Conflictos internos: es el conflicto y conmigo mismo.
Un ejemplo es la mujer triste: hay algo en ella que se produce un conflicto interno de tristeza y desolacion.
Un ejemplo es que los esqueletos no son concientes de su propia muerte y es cuestionado ya que viven en un mundo que no es de ellos si no que ya lo fue en tiempo pasado, una desiquilibrio de identidad.
Un ejemplo en avaricia es que el personaje principal se va dando cuenta internamente de sus impulsos carnales, destructivos y se impera por controlarlos pero sus impulsos lo llevan a matar a su esposa.
6-Conflicto externos de sentido: es decir existe un conflicto con las ideas. es decir un conflicto interno pero de preguntarse cual es el sentido de vivir?, es un nivel de reflexion individual y esta puesto con el sentido de como veo mi exterior y mi interior y se produce un cuestionamiento de existencia es decir un cuestionamiento de ideas internas con la vida y hacia a vida.
7-Conflictos individuales externos sobrenaturales: son todos aquellos mundos que me puedo conectar con los mundos inmateriales, todo aquello trabajado en signos que no corresponden a la realidad.
Un ejemplo es el mundo de lo sobrenatural, lo desconocido, el mas alla, espiritus, etc.
Un ejemplo de los esqueletos de Ensor obviamente es un conflicto externo pero tambien interno sobrenatural es todo aquello que no tiene forma como aparece y retrata en esta pintura.

"La mujer triste de Ensor".

Se pretende rescatar lo opuesto al otro cuadro de Ensor ( esqueletos que intentan calentarse), el nivel de ficcionalidad, un determinado espacio dentro del soporte, se trata de retratar un momento de un ser humano, esta en un espacio acotado parecido a la vida real casi como un retrato del instante en cambio los esuqeletos que intentan calentarse juega con incertidumbre y metaforas varias. Podriamos decir que son dos cuadros totalmente distintos e incluso de distintos autores pero no es asi.
Tiene una intensionalidad figurativa es decir que se pretende que sea una mujer o que se busca retrtar una mujer que esta sentada y que es analogico al universo del los esqueletos, un universo totalmente distinto.

Podemos ver que existe una ambiguedad, ya que puede que este triste como que puede que este nostalgica o desilucionada, etc. Puede ser una posible hipotesis para este cuadro.
La sombrilla significa que salio o que lelgo a ese cuarto. Podria estar de luto por el traje negro. Un luto exterior y tambien interior. (estado interior), a lo que llamaremos radiografia del alma: ella esta triste pero dudamos ya que el cuadro se obtiene un cierto grado de ambiguedad.
Lo intersante del cuadro que existe una detencion del tiempo, de lo que paso antes y que existio un despues, pero en ese minuto ella solo se sento y todo se detuvo, es un aire de plena melancolia.
Significados:

Obra dentro de una obra: Subnarrativo: es el espectador que experimenta en la obra.
Autor: es el que le entrega un sentido a la obra, el eje es el autor y la obra le da un sentido como medio de comunicacion.

Nuestra historia en fotos.

170 años de historia de Chile en 200 imagenes. De eso se trata una atractiva exposicion de fotos tomadas entre 1840 y los años 2000, que se inagura este viernes 30 en el Museo de Bellas Artes (Parque Forestal) y da una mirada a lo acontecido en el pais en lo social, cultural, politico y territorial. Este valioso patrimonio visual podra verse hasta el 27 de junio.

M:N:M::L "Exposicion de Felix Lazo". Sala de arte CCU

Instalacion sonora y visual que conjuga el origami japones con la vanguardia computacional y que se modifica por la interaccion del sonido de los visitantes y el ambiente que la rodea, creando nuevas formas y significados.

6 de Myo al 3 de Julio
Av. Vitacura 2680.
Lun-Viern: 10:30 - 19:00 hrs.
Sab: 10:00 - 18:00 hrs.
f: 4273097
visitas guiadas gratuitas
www.ccuenelarte.cl

La ruta del Arte : hasta el 27 de junio en la sala telefonica providencia 111

Juan Downey debio ir y volver de Chile sin ser reconocido en vida como el adelantado que fue. Su obra que nacio en el oleo y en el grabado derivo en las instalaciones y el video, esta presenta en los principales museos del mundo, pese a que aca no es conocido masivamente. La retrospectiva "El ojo pensante", en fundacion telefonica, salda una deuda con quien fuera el mas atrevido de los artistas de su generacion.
Mas de 100 piezas dan cuenta de su conviccion: el arte es, tambien, una forma de intervencion social. Basta recordar el metodo que aplico mientras convivio con las tribus de piaroas, guahibos y yanomamis, a los que filmo en su cotidiano para luego mostrar esas imagenes a la siguiente tribu. Muchos de esos indigenas conocieron el lapiz y el papel de la mano de Downey. Nosotros, ahora, lo conocemos a ellos en fotografias, dibujos, instalaciones y collages.

Versus

De la artista Daniela Kovacic

Según explica la artista, el trabajo que realizo se centra en los conflictos internos del sujeto, los cuales represento a través del retrato. Utilizo el rostro como medio comunicador, como conector del invisible interior hacia el plano visible y superficie”.

La muestra maquina mediante la representación pictórica la común confrontación crónica y a veces dolorosa de la mujer con su auto-imagen. Representa la lucha entre el cuerpo sentido y su imagen reflejada. Así, la presencia de comida en los retratos responde a la necesidad de hacer evidente el conflicto expuesto sobre trastornos con la imagen propia como serían los denominados “desordenes alimenticios”. Estos cuadros encarnan el sufrimiento de una mente rumiante y de ideas obsesivas con algo tan ordinario y normal como lo es el alimentarse cada día. Algo que, por orden lógico, no debiera constituir angustia alguna si se poseen los medios para obtenerlo.

Desde el 13 Abril al 15 Mayo 2010

Donde:

Galería Animal

Av. Alonso de Córdova 3105. Vitacura

Horarios:

Lunes – Viernes de 9:30 a 20:00 hrs.
Sábado de 10:30 a 14:00 hrs.

Exposicion Welcome Tour .Instalacion

Varios años después de su primera aparición en Santiago de Chile, la obra WELCOME de la artista Ximena Zomosa llega a reencantarnos con su instalación, la cual consiste en un traje de empleada doméstica, de enormes dimensiones; que cubre casi en su totalidad una de las salas de la galería.

Dicha creación ha visitado diferentes países, tales como; Perú, Estados Unidos, Bolivia, China y Francia, donde tuvo una gran cantidad de público asistente. A través de un registro fotográfico, tendremos la oportunidad de apreciar el interesante recorrido hecho por la artista con su instalación y la puesta en escena realizada por ella en cada una de sus estadías.

WELCOME TOUR, espera actualizar los significados locales de la obra, resituándola simbólicamente en un lugar específico de la ciudad, es por eso que el traje de alguna manera, vuelve a su origen o lugar de creación; pues el modelo de su confección fue sacado de una tienda en la comuna de Vitacura, también lugar de su nuevo arribo, en galería de arte Cecilia Palma.

Con este simple gesto, la artista nos trae nuevamente a nuestro contexto, la pregunta por aquellos lugares que ocupamos socialmente, tanto de la mujer como el de las categorizaciones asociadas al trabajo doméstico, aún presentes en nuestro medio.

Desde el 08 al 30 Abril 2010

Donde:

Galeria Cecilia Palma

Alonso de Córdova 2812. Vitacura

Horarios:

Lunes a viernes de 10:00 a 20:00 hrs.
Sábado de 11:00 a 14:00 hrs.

Valores:

Entrada liberada

Identidades Forzadas

Fotografía emergente chilena

Celeste Rojas, Fabian España, Rosario Montero, Cristian Ureta, Carola Farías, Sebastián Barra,Kurt Petautschnikg, Nicole Heredia, Miguel Jara, Alejandra Rivera y Mariana Gallardo.

Identidades Forzadas reúne a once fotógrafos emergentes chilenos que, desde la imagen, sugieren y cuestionan el concepto de la identidad. La pregunta entorno a ella surge en momentos de crisis o unificación, la que se asocia muchas veces con el objetivo de enfatizar, reforzar o afiliarse a un grupo o conjunto similar y/o disidente cultural, esta vez, situándose en la línea histórica americana hacia el Bicentenario. En este sentido, las utopías en construcción, las expresiones diversas e interrogantes generacionales respecto de lo identitario, subliman la mirada a la realidad cotidiana. Mande Adaro, en su curatoría reagrupa imágenes que observan al Otro, a sí mismos y sus contornos ordinarios. Rodrigo Cassanova por su parte, tiene como eje fotografías que nos sugieren espacios y sujetos imitados. Montserrat Rojas Corradi, cuestiona el retrato clásico en la fotografía, como soporte del despliegue social. La muestra quiere dar cuenta de estas diversas miradas que en lo colectivo insinúan y cuestionan las representaciones diarias y comunes de cada fotógrafo, constituyendo otra propuesta hacia el pie forzado de un Chile Bicentenario. Curadores: Mane Adaro, Montserrat Rojas Corradi, Rodrigo Cassanova.

Desde el 18 Marzo al 30 Abril 2010

Donde:

Estación Mapocho

Estación del Metro Cal y Canto . Santiago

Horarios:

Martes a domingo. 10:00 a 14:00 y 15:00 a 18:00 horas

Valores:

Entrada liberada

exposicion Luces de Caos de Norton Maza

A través de esculturas y de una instalación, elaboradas con elementos cotidianos como cartones, plásticos, materiales de maquetería, pintura y juguetes intervenidos, el artista chileno plantea una vivencia barroca que tensiona precariedad y fastuosidad, cruzando referencias religiosas, políticas, culturales y económicas, propias de la globalización.

En la sala principal, Norton Maza recrea un altar mayor de tipo escenográfico, recargado de figuras y sinuosidades, donde personajes, fondo y formas —con referencias a poderes fácticos, históricos y contemporáneos— se funden en una estructura estética exuberante de información, desprendiéndose hacia el espacio como una de sus reconocidas maquetas antes fotografiadas y ahora dispuesta para ser recorrida in situ.

Así el artista apunta, entre otras reflexiones, a la cuestión del poder y la validez del sistema social, que no ha tenido mayor evolución, desde los inicios de la cultura cristiana institucionalizada hasta la actualidad.

Lunes, Martes, Miércoles, Jueves y Viernes
Del 18 Marzo 2010 al 30 Abril 2010

Donde:
Galería Gabriela Mistral

Av. Libertador Bernardo O´Higgins 1381
, Santiago.
Santiago.

Horarios:
Desde las 10:00 a las 19:00 hrs.

Valores:
Entrada liberada.

Procesos. Esculturas de Marta Colvin

Muestra que reúne importantes piezas de esta destacada escultora nacional (1907-1995) ganadora del Premio Nacional de Artes 1970 cuya temática, más bien abstracta, siempre estuvo llena de simbologías propias del continente sudamericano. Utilizando con gran destreza las técnicas de la talla en piedra, el vaciado en bronce y el desbaste en madera, siendo ésta última una característica en su producción, las figuras humanas de sus comienzos artísticos, evolucionaron hacia un estilo que intentó representar las fuerzas elementales de la naturaleza. Colvin despojó la superficie de la escultura de todo elemento figurativo, en favor de una investigación neta sobre el volumen, el que trabajó de modo purista. Más tarde, Colvin viajó por América para estudiar las culturas prehispánicas y absorber su influencia. La intención de la iniciativa consiste en mostrar, enseñar y descubrir los caminos que recorre una obra antes de ser materializada, por eso se presentan tanto en sus diversos materiales previos —como plumavit, yeso y otros— así como en sus elementos definitivos como la madera, el bronce y la piedra. Las acompañan bocetos y croquis de las mismas.

• Fecha:

  20 abril 2010 - 20 mayo 2010

• Horario:

  10:00 - 20:00

• Lugar:

  Centro de Extensión - Alameda 390 - Galería de Arte

• Valor:

  Entrada liberada

• Organizador:

  Dirección Adjunta de Proyectos Culturales

• Más información:

  cextension@uc.cl

• Página web:

  www.uc.cl/extension

BarteFusion: un acercamiento a los esqueletos de Ensor

BarteFusion: un acercamiento a los esqueletos de Ensor

Con colores mas claros se puede distinguir mejor cualquier hipotesis que hagamos sobre esta pintura

un acercamiento a los esqueletos de Ensor

obra de 1889 por James Ensor.

Esqueletos que intentan calentarse de James Ensor

Los cuadros de Ensor y de otros artistas fueron los influyentes para que naciera el Expresionismo Aleman donde Hitler denomino ARTE DEGENERADO confiscando todas las obras del expresionismo aleman y lo expuso en una sala como si fuera una exposixion de circo para burlarse de esta vanguardia.
Podriamos decir que entre pintores como Munch o Van Gogh y Ensor entre otros son lo padres del expresionismo donde lo vital era expresar atraves de colores fuertes y formas lo que pasaba tras la guerra en esa decada.
Ensor siempre tomo la gran tradicion artistica de su pais, con preferencia en temas populares, traduciendolo en escenas impregnadas de enigmaticas imagenes plasmadas sobre el lienzo, de caracter absurdo y burlesco, con un cierto sentido de humor sarcastico y acido, centrado en figuras de vagabundos, borrachos, mascaras (debido a que sus padres tenian un taller de titeres y marionetas) y como en esta obra esta centrado en esqueletos que tambien como Munch era muy recurrente ver en sus obras esqueletos con vida.
Tambien podriamos nombrar una de sus obras como es la entrada de cristo en bruselas de 1888,
representado la pasion de cristo en medio de un carnaval, obra que causo gran escandalo en su momento.
Su vision pesimista de la existencia se materializa en la deformacion caricaturezca de las escenas , lo que conecta sin duda al imaginario goyesco (Goya), Bosco con sus imaginarios paisajes del cielo y el infierno y Brueghel, son el pie para remitir alguna de sus composiciones llena de personajes deformados y extraños, tambien son un reflejo de un caracter inestable y totalmente depresivo.
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Para analizar el soporte de una pintura debemos partir po lo descriptivo es decir lo que hay en la pintura objetivamente.
Para realizar una hipotesis primero es definir las cosas que vemos en la pintura es un decir de algo que no estamos completamente seguros pero que es totalmente posible o es una pregunta donde le damos una posible respuesta
Por ejemplo es legitimo decir que los esqueletos tengan su propio mundo ya que estan vestidos y tengan frio por ello estan cerca de la estufa.
La intertextualidad es el universo del autor, osea el universo de James Ensor , su historia o su vida.
Lo narrativo fabular descriptivo es el ambito interpretativo como por ejemplo ¿que significa el color dentro del cuadro de Enzor?
Tenemos en cuenta que el color en si es un simbolo, un elemento que juega un papel principal dentro de un cuadro pero tambien va de la mano con el dibujo, el dibujo mas el color da la forma y el contenido del cuadro igual que en el teatro, en el teatro seria el cuerpo e interioridad donde el actor forma su mundo interno es decir el contenido de este.

Si queremos desmenusar la pintura que estamos viendo podriamos decir que tiene un cierto drama es decir puede que tenga un gran metafora como: "LA MUERTE EN VIDA", "LA PERDIDA DE LA IDENTIDAD", etc.

Vemos que los esqueletos intentan calentarse pero no pueden, se siente como que ellos fueron despojados de la muerte y llevan su vida como cuando estaban vivos sin darse cuenta que estan muertos.
La organizacion de la pintura tiene que ver con la composicion de los elemntos dentro de la pintura es decir, que en la pintura existe una division composicional donde la cruz forma esa cierta division y que se forma los ejes de un triangulo en primer plano, que podriamos definir como la divina trinidad.
Existen dos planos dentro de la pinntura el 1r plano que es donde los dos esqueletos intentan calentarse y el que estqa en el suelo que podriamos decir que es un pintor o quizas es el propio ensor muerto y tenemos el 2do plano donde vemos a una calavera en una mano que se puede comparar con Hamblet y el esqueleto de la derecha como un espectador dentro de la propia obra, que nos jusga o nos cuestiona la poca toma de conciencia de la muerte o no asumir tu propia muerte, esa calavera nos remite a la comedia y a lo ironico.
El autor quiere desarollar su metafora en donde la calavera es una calavera real no quiere ser humano como los otros si no que acepta su muerte y acepta ser una calavera o un esqueleto.
Tambien vemos que existe la metafora de distintos personajes que les da Ensor en la pintura, uno de ellos es musico, otro es el caracteriza el teatro y por ultimo el pintor.
Puede que sea una critica o solo el mundo interior del Ensor, esa fuente pesimista de Ensor nos lleva a definir que es un mensaje hacia y para nosotros es decir en eso se convertiran ustedes unos muertos en vida porque la vida que llevamos hoy es la muerte, es una imagen de nuestro propio interior en lo que nos hemos convertido.

Existen tres ejes del drama dentro de esta pintura:
-vida y muerte.
-esqueletos humanizados.
-un viaje tragico hacia el interior.

A nivel fabular podriamos decir que es una intencionalidad religiosa, por una parte podriamos decir que el esqueleto de la derecha es un cura o un papa de alto rango de ese tiempo y por otra parte es la intensionalidad de la media luz que tiene el cuadro si leemos las obras de Ensor podemos verificar que si le intersa mucho la luz dentro de sus obras el juego de la oscuridad y de dar media luz en sus pintura para obtener una ambiente de cierta tension dramatica.

BarteFusion

James Ensor

Nacio el 13 de abril de 1860 en Ostedente, Belgica donde transcurrio toda su vida exceptuando los tres años que asistio a la academia de Bruselas entre 1877 y1880. Sus primeras obras tratan temas tradicionales, paisajes, naturaleza muerta, retratos y estan pintados con un colorido rico y profundo, con una iluminacion suave pero vibrante.
Despues comenzo a pintar desfiles de enmascarados y de personajes caricaturescos para plasmar la respulsion y rechazo que le ocasionaban los festejos multitudinarios. Mediante el uso de colores incadensentes, fuertes, estridentes y con pinceladas violentas y bruscas lograba potenciar el efecto agresivo en sus temas.
Ensor representa a la sociedad como algo estupido, vano y odioso, su tecnica era retratar a los individuos como payasos o esqueletos, reemplazando sus rostros con mascaras de carnaval.

Sunset Boulevard

Es una pelicula del cine negro estrenada en 1950 dirijida por Billy Wilder, quine fue tambien coautor del guion. Su titulo original proviene dela celebre avenida que atraviesa
los angeles y Beverly Hills. En castellano se estrenó con distintos nombres dependiendo de los países: como El ocaso de una vida (Argentina, Mexico), como El ocaso de una estrella (Argentina), y como El crepúsculo de los dioses (España)

La película narra la historia de una antigua estrella del cine mudo, Norma Desmond (interpretada por Gloria Sawson), quien, incapaz de aceptar que sus días de gloria pasaron, sueña con un retorno triunfante a la gran pantalla, para el cual espera contar con la ayuda de Joe Gillis William Holden), un guionista al que convierte en su amante. Otros intérpretes destacados son Erich Von Stroheim, como el mayordomo de la estrella.

En el momento de su estreno, Sunset Boulevard recibió grandes elogios de la crítica. Fue nominada a once Premios Oscar, aunque ganó solamente tres. Hoy día es considerada un clásico, y a menudo se la cita como una de las obras más relevantes del cine estaunidense.


Si analisamos la pelicula la oscuridad de las relaciones amorosas es la union de la ambicion, su nivel escenografico es gotico (soporte) donde se subraya mas el amor de la pareja donde existe la humillacion por una parte y por otra la muerte.

Lo interesantees que existe el soporte dentro del soporte osea un soporte real y un soporte ficiticio.
La actuacion de la actriz es de la sobrexpresion, la exageracion donde la actriz llega a tal punto de abandonar el soporte, en la escena de la despedida se puede dilusidar perfectamente esta sensacion de salirse del soporte mismo, intenta trasender el soporte y se cierra la escena como despedida (trasendencia).

Existe una ironia sobre la actuacion de la actriz que tambien esta relacionado con la piedad (homenaje-tragedia). Podemos ver claramente que ella esta en un estado de locura y es en donde se produce la dramatizacion.

Soporte1: el cine mudo------actriz y director (relacion fatal)

Soporte2: la locura (la enajenacion de la actriz)...destruccion amorosa

La bajada de la actriz es maravillosa, ella baja y los demas le dan el espacio para su despedida final, existe una cierta ritualidad cuando ella decide bajar como una gran actriz pero el engaño es fatal.
Un elemento de tension seria la escalera, la estrella deciende al acozo, ella se mueve e internamente los demas tambien.
Existe un movimeinto de la camara y existe un movimiento de los actores con la camara estatica que parece que la camara se moviera pero es al revez.
Podemos disntiguir eso cuando ella baja se produce un movimiento cuando ella baja y la camara la sigue pero despues no se mueve.
Cuando es asi podemos decir que la camara es activa o pasiva dependiendo del soporte y la organizacion.

BarteFusion: una de las escenas celebres de avaricia

BarteFusion: una de las escenas celebres de avaricia

una de las escenas celebres de avaricia

Uno de los trozos de la pelicula avaricia es en donde Trina se acuesta con las monedas.
Si hablamos de la construccion de la escena dentro del soporte: podriamos decir que hay un claro simbolismo en donde el soporte construyo un irrealismo onirico ya que acostarse con el dinero pasa a ser otro cuerpo mas, una trasformacion del objeto a un cuerpo deciable.
Entonces en resumen tenemos una construccion real y una construccion simbolica de la conducta humana.

Poniendo fin a las infintitos detalles de esta pelicula, perteneciente a unos de los clasicos del cine mudo, puedo resumir en pocas palabras que es una pelicula que no hay que dejar de no verla porque la complejidad y de haber roto las leyes del cine mudo es esos tiempos es notable, se produce esa toda abicion que tiene cualquier artista de llegar mas alla de romper los limites aunque muchos te mutilen tu propia obra de arte como le paso a Erich Von Stroheim.

Integracion de las Artes "LO HISTORICO ES PRESENTE ACTIVO"

obras y analisis estetico:

Un analisis humanista es decir un ser conciente de su mundo exterior es capaz de hablar como artista plastico.
Para analizar o discutir de ciertos rasgos del arte podriamos comenzar con el cine mudo como anteriormente se revizo la resumida reseña de la pelicula avaricia, deteniendome en este punto, me impreciono esa mutilacion de las escenas ya que duraba 96 horas realmente quedando oficialmnete de solo 2 horas, una pelicula de culto una compleja metafora pero real de la avaricia, un triangulo amoroso entre un hombre una mujer y el sucio dinero.

Podemos ver esa bella detencion interior un universo dramatico que busca la interioridad de cada personaje, es imprecionaste la construccion de cada escena que cada parte tiene un porque, una simbologia que casi como espectador "normal" es impalpable pero para nosotros es enriquecedor verlo, la sutileza del tratamiento ya sea de imagen del propio silencio de la pelicula, de la musica, el significado mismo de la propia pelicula "AVARICIA", donde podemos ver tambien esa ironia del ser humano como tal, un absurdo pero bellamente cinematografico y una destruccion de la mente y del cuerpo por cosas efimeras.

Para analizar cualquier tipo de arte debemos tener en cuanta el soporte de este, es decir la organizacion de los elementos ya sean de una pintura o del propio cine o sea todo lo material o el trabajo mismo de la obra, lo siguiente es lo dramatico que significa las señales y el contenido que va adquiriendo la obra atravez de las escenas como por ejemplo en avaricia, es el recorrido que llega a su fin como

DOMINIO-----------VIOLENCIA
LIBERTAD----------POSESION

un resumen seria: ORO, LOTERIA, MATANZA, DESIERTO, MUERTE, DOMINIO, BELLEZA, VIOLENCIA, ECT .. todo esto lo tiene la pelicula de Stroheim.

Un analisis de cualquier obra esta dentro de lo dramatico es decir es COMO comunica el autor, es como comunica el Artista en su obra o en su pintura o en su instalacion etc.
El artista tiene dos visiones.

*Vision del mundo: que se refiere o se entiende como una vision colectiva de la cultura, es decir como el autor ve esta cultura desde su vision artistica.
*Vision del Autor: que se refiere a su propia experciencia de vida y a su propia opinion sobre la propia cultura o sobre su propia vida.

Todas esta visiones deben llevar a cabo la necesidad de hacer arte pero este arte debe proyectar una cierta simbologia a mayor simbologia proyecta mas sentido a algo concreto.
Por ello lo dramatico es el trozo de la experiencia humana, de nuestra propia vision interna la expulsamos como una creacion externa.

Si sub-dividimos lo dramatico nos encontraremos que hay:
*Conflicto dramatico: que se refiere a un enfrentamiento de dos fuerzas anatgonicas con necesidades contrapuestas.
*Drama: se refiere a la capacidad de definir ese trozo de la experiencia humana.
*El drama: se refiere a la tension del conflicto dramatico.
*Desarrollo dramatico: se refiere a la organizacion del conflicto.
*Lo narrativo: se refiere al argumento o historia o fabula. En las artes plasticas es la describicion de la obra y en una pelicula son los hechos de la misma.
*Lo tematico: se refiere a los temas que aparecen en una obra.

EN EL SOPORTE DE CUALQUIER TIPOS DE OBRA YA SEA UNA PELICULA O EN UNA PINTURA TODOS ESTOS ASPECTOS QUE HEMOS DEFINIDO ESTAN DENTRO DEL SOPORTE.


En resumen para analizar interiormente cada escena de una pelicula como avaricia debemos comenzar con el soporte osea elemntos o señales que me den signos de algo, ya sea aspectos psicologicos del personaje, la luz que puede anunciar la muerte o la esperanza un desiquilibrio entre el montaje y el personaje, todo esto son elementos o signos que me van diciendo la organizacion de cada escena y que va a terminar con un fin dramatico.
En 2da parte tenemos que ver el conflicto dramatico de la escena como comienza la decadencia o cualquier señal que me de un conflicto entre los personajes antagonicos.

Podemos leer esto como totalmente educativo o rigido o tecnicamente obligatorio, pero sabemos que cuando vemos una pelicula ya sea cine arte o cine para publico en general no nos dedicamos a analizar cada paso cada simbolo pero si nos quedamos con una sensacion y quizas esa sensacion es la que quiere dejar el autor de la obra lo mismo pasa en la pintura nos quedamos con la primera y segunda imprecion y si realmente nos intersa vemos simbolos que para mi estan relacionados con mi vida o con mi experiencia como artista.
Lo intersante de ser arte es que en cada objeto o en cada pintura que creamos debe proyectar desde nosotros hacia afuera una simbologia propia y que eso traspase al espectador como un eco, un decir un comunicado un abrir de ojos atravez de lo que hacemos que es hacer crear amar y vivir del propio y complejo arte.