En las calles del mundo: pagina street art

Streetsy es un sitio web dedicado a todas las formas posibles de arte callejero: pósters, calcomanías, graffiti y esculturas improvisadas. Cada día publican una nueva fotografía tomada en la vereda de alguna ciudad del mundo, y ya cuentan con varias páginas de imágenes que muestran la creatividad de cientos de anónimos artistas.

http://www.streetsy.com/

artistas e ideas:::: en busqueda de_____(camino del artista)

Bit.fall, una instalación de Julius Popp.


bit.fall es una catarata de palabras creada por Julius Popp. Este artista alemán ha empleado un sistema de riego por goteo controlado por ordenador que libera gotas de agua en momentos precisos para crear formas predeterminadas. Las palabras ‘llueven’ desde el techo y desaparecen cuando impactan contra el suelo.

Nos encontramos, según su creador, ante una metáfora del incesante flujo de información al que estamos expuestos.


http://www.youtube.com/watch?v=ygQHj1W0PPM&feature=related


otras obras son
Bit.Code
http://www.youtube.com/watch?v=Zt7HlTnZXLw&feature=related

Bit. flow de 2008
http://www.youtube.com/watch?v=OD19qyL9a3Q&feature=related

BarteFusion: Hiroshima Mon Amour...entre el amor y el recuerdo

BarteFusion: Hiroshima Mon Amour...entre el amor y el recuerdo

"INFINITUD VERTIGINOSA"

“Infinitud vertiginosa“, Proyecto de Título de Pilar Maceiras.

Lugar: Sala de Montaje Escuela de Artes Visuales. Facultad de Arte Universidad Mayor. Santo Domingo 711. Metro Bellas Artes.

Descripción: Esta obra trata básicamente de representar los aspectos constitutivos del laberinto. Es decir, la construcción de un determinado espacio en donde se plantea un recorrido. En el caso de esta obra no se trata solo del recorrido del sujeto o espectador por el laberinto, sino también en el recorrido del patrón serigrafiado, que en su repetición, reproducción y reflejo se torna laberíntico. El juego de espejos hace posible esta multiplicidad del recorrido, los patrones impresos en estos, se despliegan mas allá de ellos mismos para devolver la imagen del espectador como parte del recorrido mismo, como si este fuese el punto desde el que el laberinto se despliega. Sin origen o término la imagen grabada y repetida se funde sobre la figura del espectador, que esta siempre en el centro del laberinto, de ahí la forma triangular de este, que hace hincapié en el centro del laberinto como único objeto.

Exhibición: Desde el Miércoles 17 de Junio hasta el Sábado 18 de Julio [Inauguración Miércoles 17 a las 19:00 h]

Horario: Lunes a Sábado, de 10:00 h a 20:00 h

Hiroshima Mon Amour...entre el amor y el recuerdo

Título Original: Hiroshima mon amour
País: Francia
Año: 1959
Género: Drama, Romance
Guión: Marguerite Duras
Director: Alain Resnais
Intérpretes: Emmanuelle Riva (la mujer), Eiji Okada (el hombre), Bernard Fresson (el alemán), Stella Dassas y Pierre Barbaud (los padres).

Esta es una excepcional película, que marca el debut como director de Alain Resnais, después de una década de producir documentales cortos. Efectivamente, Hiroshima mon amour comenzó como un documental sobre la reconstrucción de Hiroshima, y los primeros quince minutos de la película usa partes del material del documental para lograr un gran efecto para señalar la escena.

Como muchas de sus subsecuentes películas, Resnais usa su único acercamiento de entretejer las memorias y los eventos actuales para crear una ilusión de un tiempo fantasmal eterno. Las frases son repetidas una y otra vez, la cámara panea letárgicamente sobre el escenario mustio, y el dialogo es reproducido sobre el material documental de la reconstrucción de Hiroshima. Genera un efecto de profunda impresión de pesadumbre y tormento auto infligido, perfectamente capturado por la actuación cargada de emoción de Emmanuelle.


Un tema central de la película es necesario para llegar a términos con el horror del pasado. Ambos personajes en la película (la actriz y el arquitecto) tienen dolorosos recuerdos de la guerra, y su vínculo parece representar algún tipo de acercamiento entre el Este y el Oeste. “Tu eres Hiroshima. Tu eres Nevers” es como la película termina, sugiriendo que el tormento del desastre de Hiroshima, como el doloroso romance, algún día serán olvidados.

Pocas películas dejan tan duradera impresión como el Hiroshima mon amour de Resnais. La impresionante fotografía del Hiroshima contemporáneo, mezclada con deprimentes imágenes del tiempo de la guerra en Francia, es arte puro, traída a la vida por la música también. Aunque carece de la estructura tradicional del formato de cine, esta película ofrece una experiencia que es sumamente más gratificante y profundamente emotiva.



Una de las escenas
http://www.youtube.com/watch?v=cC8xw3JTE5Y

Gonzalo Rabanal: LA IMPOSIBILIDAD DEL OLVIDO

Trabajos sobre la Memoria Personal y Colectiva.



Desde una clara voluntad perturbadora y desalienante, el extenso trabajo performativo de Gonzalo Rabanal (Santiago de Chile, 1959) , lleva la impronta y la autoexigencia de ver-analizar situaciones individuales y colectivas, propiciando desde ellas inestabilidad que reclaman cambios.

Sus obras interrogan los signos, conceptos y símbolos aparejados tras diversas tensiones de su entorno, tales como situaciones familiares, sociales y políticas, las que desmantela a partir de provocadores cuestionamientos que se enraízan con sus privadas e íntimas experiencias de vida, a las que alude, y exhibe descarada y reiteradamente en acciones, previamente planificadas, que en ocasiones dejan paso al rapto azaroso de la vida, y en las cuales se involucra psíquica-emotiva y físicamente de manera extrema, hasta el máximo asomo de vulnerabilidad como en El Cría Cuervos (MAC (Museo de Arte contemporáneo), Santiago – Chile, 1999), donde el artista en tanto padre de familia llega a un acuerdo con su hijo varón, mayor de edad, para que este lo castigue públicamente. El artista - padre se dispone en el lugar preparado para la performance con parte de su cuerpo (pies, pantorrillas, rodillas, pubis, parte del torso, manos y antebrazos) envuelto con telas blancas a modo de vendas viejas que cubren antiguas heridas (las heridas del drama de ser padre, del riesgo que ello conlleva, del peso filial-emocional involucrado y del deber social encomendado a partir de patrones culturales entregados que demarcan tal misión, y de la frustración ante el fracaso del cometido, el que jamás se logra alcanzar en integridad , aunque se destinen todos los espacios de tiempo posible para ello), y con un arne negro, el que esta unido a varias cadenas metálicas, las que junto a otras colocadas en los pies del artista ayudarán a levantarlo para colgarlo, acto en el que Rabanal colabora presurosamente, como en un afán auto castigador, permitiéndole a sí a su hijo que se haya vestido formalmente, como destacando la importancia de la ocasión, lograr en el lugar acordado de la venganza la consumación de esta, lo que realiza mediante una toalla mojada, con la que da 27 fuertes azotes sobre el tenso cuerpo del artista-padre.
En esta obra Rabanal en tanto padre se reconoce a sí mismo como figura de poder, que con sus jerarquías, sus inspecciones, los ejercicios socialmente aprendidos que enseña a sus hijos para que estos logren comportamientos adecuados, sus condicionamientos y domesticaciones, es capaz de castrar, y es frente a ello, que opera llevando a cabo, hasta las últimas consecuencias un desgarrador ritual, que busca liberar catárticamente a los protagonistas y a los espectadores de la acción, de las implicancias clásicas de las relaciones padre-hijo, mediante aquel acto de purificación, que permite pensar nuevos y más sanos modos de vinculación filial .
Así sus performances, en tanto invitaciones a plantearse crítica y entrañablemente sobre las relaciones de la sociedad y de sus estructuras internas, se transforman en instrumentos de acción social y arma de combate, donde pone en jaque a los establishment político-sociales que rigen nuestro accionar como ciudadanos, como personas, tal cual, lo presenciamos en su performance Mal Decir la Letra donde problematiza la verticalidad de la educación familiar y escolarizante , como también a los poderes que rigen a las artes visuales en Chile, como a nivel internacional, tal cual se aprecia en Enséñame tu i-coño, donde con el colectivo DEFORMES ejecuta una parodia con la que contaminan la historia oficial del arte chileno, para lo cual toman catálogos que acompañaron muestras realizadas entre los años 1975-1990, como la denominada Lonquén, efectuada por Gonzalo Díaz, y realizan el doblaje de fragmentos seleccionados para marcar un audio como referencia de acción. En todo ello, vemos como Rabanal opera interpelando de manera directa a los sistemas de poder, abatiendo sus estructuras ocultas, con sus gamas de exigencias y apremios, sus juegos de inclusión, exclusión y rechazo, y muestra descarnadamente las derivaciones que estos han anidado en el cuerpo social en su conjunto, derivaciones que nos hablan de decepciones, resentimiento, desolación, traumas, etcétera, que se acunan en las estructuras corporales y de ser de cada persona, por ende, en el propio artista -quien en sus obras nos entrega su cuerpo como alegato de aquello-, y en cada uno de nosotros (as).
En ello, Gonzalo Rabanal exhibe una persistente preocupación por la memoria histórica personal como colectiva, desde una postura carente de melancolía, que evidencia que la praxis artística sólo tiene sentido si se involucra totalmente en un proceso desarticulador de los códigos existentes, en un transcurso contemplativo de las posibilidades de nuevas coyunturas y en un proceso transformador de la sociedad, como lo postula en su obra Padres, Hijos y Madres, la cual acoge nuevamente a su cuerpo desde el descubrimiento de sus debilidades y su insalvable temporalidad, el que en cuanto dispositivo sitúa en uno de los espacios del Centro Cultural Recoleta (18:30 hrs. , 16 de junio de 2007, Encuentro “Corpolíticas en las Américas: Formaciones de Raza, Clase y Género”, organizado por Instituto Hemisférico de Performance y Política, por el Centro Cultural Recoleta y el Teatro Empire, Buenos Aires-Argentina), una alfombra tramada a través de costuras realizadas por el artista, tapiz que posee tres partes, un rectángulo formado con ropas color rojo (prendas usadas, testimonios de vidas que cobijaron muchas pieles con sus añoranzas, sus dramas y tensiones cotidianas, prendas compradas en ferias libres del sector sur de Santiago de Chile, donde se ubican sectores populares), el que se une a un rectángulo configurado con ropas color negro (las prendas son del mismo tipo antes mencionado), formando su unión el símbolo rojo y negro que tantos sueños de transformación social y revolucionaria acuñaron en el seno de Latinoamérica y el mundo. Símbolo manoseado y degradado innumerables veces por diversos sectores políticos a nivel internacional, inclusive por aquellos mismos que lo enarbolaron, y que hoy destila las últimas ráfagas de su sentido inicial, en un mundo donde el mercado ha neutralizado y moldeado los imaginarios revolucionarios a su gusto (examínese la imagen del Che Guevara impresa en miles de prendas de vestir que se venden en distintas partes del planeta), y donde muchos de los propios actores involucrados en la trama mencionada han desistido y renegado de su participación y accionar.
Aquel rectángulo rojo y negro, habla de aquello, y también de la vida del artista, ex militante del MIR (Movimiento de Izquierda Revolucionaria chileno), quien acuño una serie de esperanza para y junto a padres, hijos y madres, que hoy parecen lejanas. Rabanal, toma este rectángulo, bandera, símbolo vaciado, y se pregunta por su propia responsabilidad histórica, y por nuestra carga como actores sociales, y para ello une en continuidad a este rectángulo rojo-negro, una tela blanca, un nuevo rectángulo, que cubre-oculta tierras de tonos rojizos. Sobre el paño blanco se recuesta el artista boca arriba en conexión con el cielo, con el infinito y con su conciencia, creando una escena que convoca a seis jóvenes, 03 de ellos argentinos y 03 chilenos, los cuales vestidos de negro al igual que el artífice, humedecen diversas indumentarias de gama roja, que poseen las mismas características que las usadas para la realización del paño-bandera rojo y negro, con las que fustigan la pulcra tela blanca que rodea a Gonzalo Rabanal, emergiendo en dicho trance una mancha rojiza como prolongación de esos géneros que pegaron sobre el suelo-paño blanco, por tanto, de la energía de los jóvenes. Macula que parece anunciar los golpes que recibe el performista por parte de aquellos, quienes le dan cinco azotes cada uno, aumentando con ello la tacha ya creada. Cabe agregar, que el cuerpo del performista, junto a la mancha roja que germina, conforman una nueva bandera que replica en su semejanza a la conformada por las prendas de vestir. Así a quien fustigan los jóvenes es a la bandera rojo y negro, prorrumpiendo en dicho acto a la reminiscencia histórica de esta y su vinculación con la circunstancias actuales, inquiriendo en ello a estas últimas; al tiempo que por la “disposición” del artista, este nos abre a su propia memoria personal y a las de muchos como él. Y en ello, persiste en interpelarnos y nos abisma nuevamente requiriéndonos respecto al débito que cada uno de nosotros posee en la configuración de las historias colectivas y particulares.

Rabanal en esta performance nos entrega su cuerpo desgarrado como apertura sacrificial, en un afán de desanestesiar nuestras conciencias-memorias, con el fin de cuestionar y denunciar el olvido de cuestiones fundamentales, como nuestra participación en el incumplimiento de la consolidación de los procesos democráticos en Latinoamérica, la indiferencia respecto a la necesidad permanente de justicia y respuesta por ejemplo, sobre los detenidos desaparecidos, que no le pertenecen tan solo a sus familiares directos, a sus madres, hijos y padres que los lloran, sino que también a cada uno de nosotros, en la medida que son parte de nuestra memoria colectiva, que son parte de los sueños personales y sociales perdidos y quebrantados, y de que son el recordatorio de que siempre existe el peligro del afloramiento de ideología totalitarias y destructivas, instancias las cuales se deben evitar. En esta performance indudablemente el espectador acaba siendo testigo y cómplice de la mortificación por la que atraviesa el artista, no pudiendo rehuir al desafío instalado por la obra.
Cabe agregar, que las obras políticas de Rabanal , se desplazan de lo concebido convencionalmente como lo político, por la disposición de sus prácticas, las cuales, en un proceso de interpelación re-configuran las grafías de visibilidad, dando espacio y lugar, a otras disímiles formas de expresar y percibir, y nos enfrentan e instan a una toma de posición, y a una reacción que involucre una capacidad crítica.

Gonzalo Rabanal

La memoria personal

Momentos recortados de la relidad, momentos perdidos, lejanos, a los que la memoria personal ya no alcanza y de los que la memoria colectiva apenas sabe nada, esto es otro pequeño ejemplo de lo que estamos hablando, fotos de un grupo de mujeres y niñas, ¿un internado o un grupo social de la epoca?, nada, no tenemos nada, sus rostros son fantasmas son de un pasado que no alcansamos a ver.

Pero tiene una belleza interna y una historia irreconocible, pero que pasa con fotos de familias de nuestros abuelos ya fallecidos esas fotos en sepia o en blanco y negro que nunca conocimos, es intersante la recopilacion del recuerdo del pasado y como vamos armando en nuestra mente historias ilusas del pasado familiar de cada uno.

Muchos artistas toman la memoria para realizar diversos trabajos basados en la memoria corporal, huellas dejadas por operacion, atropellos, etc.

Uno de los intersantes trabajos es de Gonzalo Rabanal.

Memoria como proceso de reconstruccion historico-social.

La memoria de un hombre del 73 es distinto al tiempo del 2010 (osea nosotros), una influencia generacional y si somos testigos es distinto ya que determina una vinculacion con el contexto que en ese momento nos rodea.
Ser testigo o no es determinante, antes o durante o despues que yo naciera.


La reconstruccion historica como relato a partir del enlace entre recuerdos que componen una narracion historica como en el libro de Benjamin con el capitulo del RL NARRADOR.

La memoria ahora es plural, las comunicaciones son rapidas e instantaneas, diversos medios para estar comunicados ( diversas fuentes), y todo al mismo tiempo, como son los sitios de informacion que nos ofrece el internet.
Si las fuentes estan a la mano la contruccion es mas facil, la experiencia de vida es muy distinta a una contruccion y fuentes escasas (cambia la estructura del proceso).

La memoria y el olvido. es un lugar psiquico de las personas, provocando un trauma de memoria- olvido (ausente en donde tambien es algo presente).

LA MEMORIA y ASPECTOS GENERALES.

El recuerdo:
Ejes que debemos tener en cuenta:
.La union de este proceso es decir la memoria con el objeto u cosa.
"AQUELLO QUE SE RECUERDA".
.La recuperacion del lugar oroginal de la memoria: el objeto es " arrancado del pasado" y "arrojado a un presente".
.Reconocer o revisitar lo acontecido.
.El tema de lo objetivo y lo subjetivo. ¿ Cuales son las tensiones entre "OBJETIVIDAD" ?.
.La temporalidad de la memoria.
" el fundamento del tiempo es la memoria."

Tenemos diversos tipos de memoria:
MEMORIA COMO PROCESO DE RECONSTRUCCION HISTORICO-SOCIAL.
RECONSTRUCCION HISTORICA.
MEMORIA Y OLVIDO.
MEMORIA Y OLVIDO COMO CONTINUIDAD.
MEMORIA SOCIAL.
MEMORIA PERSONAL.

Marisa Niño: modelos y sus ciatrices.

Marisa Niño desarrolla impactantes proyecto artistico:

Todo comenzo cuando vio la pelicula Crash de 1996 de David Cronenberg descubrio un nuevo mundo de fetiches y erotismo en el que las cicatrices, sin importar cuan horribles fueran, podian convertirse en facinantes atributos fisicos.

Imprecionada por ese film, que describia las vidas de personas cuyos impulsos sexuales estaban intimamente conectados con la violencia y el peligro mortalde los choques automovilisticos, la artista decidio realizar una serie de imagenes protagonizadas por personas que tuvieran cicatrices en sus cuerpos.

Ese proyecto, que ya le ha demandado un año completo de trabajo y constituye la tesis con la que culminara sus estudios de fotografia, alcanzara su forma definitiva cuando imprima los conjuntos de retratos de quince laminas.

Por ahora esta preocupada de conseguir suficientes modelos para completar la cantidad que desea incluir en su trabajo y por ello ha lanzado una invitacion dirigid a todas aquellas peronas que poseen cicatrices de ser inmortalizadas y exibidas.

Dice: "Voy a recibir voluntarioas hasta Junio de este año, porque despues debo concentrarme en el aspecto teorico de esta obra, que esta vinculado con la huella, el cuerpo, la marca, el tiempo y la memoria, asi como preguntas acercade cual es el limite artistico entre lo bello y lo defrome y que es lo que entedemos por belleza."

Exposición, La pintura en tensión

De la chilena Natalia Babarovic y el argentino Carlos Huffmann

En exposiciones independientes pero compartiendo un mismo espacio, la artista chilena Natalia Babarovic y el artista argentino Carlos Huffmann reúnen sus planteamientos en torno a los destinos de la pintura en la actualidad.

La obra pictórica de la chilena Natalia Babarovic y del argentino Carlos Huffmann se encuentra en una nueva exposición de la galería Departamento 21. Sin coincidencias aparentes, ambos artistas abordan la pintura como una instancia investigativa, integrando abiertamente una dimensión teórica y analítica en su producción.
En el caso de Carlos Huffmann, la influencia iconográfica contemporánea es un elemento ineludible y al mismo tiempo rescatado por él como una fuente de reflexión. Se inspira en la televisión, los videojuegos, los dibujos animados, la mitología, los conocimientos filosóficos y todo un cúmulo de lecturas personales, de singular transversalidad, que según explica, actúan como un “sedimento” de su obra.

Cuando:

Desde el 11 Junio al 12 Julio 2010

Donde:

Departamento 21

Nueva de Lyon 19, Departamento 21. Providencia

Horarios:

Valores:

Entrada liberada

Exposición ¿Como documentar el mundo sin renunciar a asumir una posición, la mía propia, en este mundo?

De fotógrafo chileno Cristóbal Traslaviña La exposición presenta una serie de fotografías análogas color y, blanco y negro, tomadas en situaciones reales y que dan cuenta de lo que acontece desde un ángulo más salvaje y crudo de la sociedad. El proyecto nace desde la inquietud de plasmar, a través de imágenes estáticas, un mundo íntimo y desarraigado, camuflado y protegido en los placeres desdichados: el mundo de la noche, la droga y la prostitución.

Cuando:

De Martes a Sábado, desde el 28 Mayo al 20 Junio 2010

Donde:

Centro Cultural Matucana 100

Matucana 100 Santiago

Horarios:

Desde las 11.00 a las 13.00 hrs. y de 14.00 a las 21.00 hrs.

Valores:

Entrada liberada

Exposición, Digi Pop 2010

Exposición de arte, de variados artistas
La muestra de Galería QUQU rescata una variada selección de obra reciente inspirada en la estética Pop, y que investiga la integración de lo digital en el quehacer artístico.
La muestra incorpora Pintura, Técnicas Gráficas y Grabado Digital en gran diversidad de técnicas y formatos.
Todos con descuento especiales de hasta un 30%.

Cuando:

Desde el 28 Mayo al 05 Junio 2010

Donde:

Galería de Arte QUQU

Av. La Dehesa 1736. Lo Barnechea

Horarios:

Lunes a Sábado 11:00 a 19:00 hrs.

Valores:

Entrada liberada

Exposición, Francisca Sutil expone su obra más íntima

Muestra de la artista abstracta titulada, Interludio

La muestra reunirá 30 pinturas que son el resultado de un año de trabajo durante el 2008.

Luego de exponer hace cuatro años una gran retrospectiva de su obra en el Museo Nacional de Bellas Artes, Francisca Sutil ha realizado varios viajes, principalmente en Europa, durante los cuales tuvo “la necesidad de estar más profundamente en contacto con lo que ha sido el origen de la pintura. De hecho me propuse no ver pintura contemporánea”. De esa manera, según cuenta la artista, se fue “impregnando con una pintura que tenía otra escala y que era más íntima”.

Cuando:

Desde el 18 Mayo al 19 Junio 2010

Donde:

Galería Animal

Av. Alonso de Córdova 3105. Vitacura

Horarios:

Lunes a Viernes de 9:30 a 20:00 hrs.
Sábado de 10:30 a 14:00 hrs

Fine Tuning VOL. V / La tierra que habla

Del destacado artista nacional Alejandro Quiroga

La muestra que Alejandro Quiroga presenta en la Galería Animal aborda la pintura (acrílico sobre tela – papel) en la que la síntesis juega un rol capital. “Pienso en dos cosas elementales a la hora de hacer arte: las imágenes son pensamiento que se ve y que es imprescindible tomar riesgos”, explica el artista. Fine Tuning VOL. V / La tierra que habla reúne obras en gran formato confrontados a una serie de estudios o desarrollos temáticos sobre papel creando una propuesta gráfica que convive entre lo fotográfico y lo pictórico.

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Cuando: Desde el 18 Mayo al 19 Junio 2010 Donde: Galería Animal Av. Alonso de Córdova 3105. Vitacura Horarios: Lunes – Viernes de 9:30 a 20:00 hrs. Sábado de 10:30 a 14:00 hrs.

La realidad Distorcionada de Strindberg: El pelicano:

25 de Mayo:

Strindberg escribió Pelícano en los últimos años de su vida, cuando su afán de modernidad, de buscar nuevos caminos a la literatura, fue más intenso que nunca. Siguiendo las corrientes de vanguardia de la época se interesó por el teatro de cámara que estaba surgiendo en la Europa Central. Su origen es la mala conciencia del ser humano y por vivencias personales con el sexo opuesto.
Pelícano es la historia de los últimos días de una familia marcada por el horror. Luego del funeral del padre, la madre y sus dos hijos, continúan habitando la antigua casa. No existen rastros de amor ni recuerdos que unan a estos extraños y misteriosos seres.


Tenemos diversos ejes de analisis una de ellos son:
-Los personajes: Hija: Gerda: le da dentro del soporte un caracter mas humano, es en donde el personaje apunta a la verdad, es una hija vengadora y que dentro de esta farza despierta del sueño.

-El drama: Premisa cientifica en donde el rol de la madre que deberia ser una contencion afectiva muestra el lado opuesto es decir esa madre como fuente de quitar la vida, aqui se produce lo que llamamos NARCICISMO es en donde no se da cuenta lo que causa a su alededor, es incapaz de tener vinculos afectivos con los que la rodea una condicion de su personalidad es el egoismo:
en donde sus hijos mueren de frio, mueren de hambre, donde a ella todo le pertenece todo aquello que se le esta vedado, le arrebata el esposo a su hija y aqui aparece como un SUBCONFLICTO que es el SADOMASOQUISMO: que representa las relaciones de poder de sumision de ella, ella es la culpable, ella tuvo el poder pero se produce el decaimiento.
El yerno es mentiroso, es en donde la hija es utilizada por los dos su madre y su esposo, utilizan a la hija como pantalla como una farza dentro de la relacion prohibida de la madre y el esposo de la propia hija.

. Los hijos:
una escena donde el drama va cambiando paulatinamente es en donde los dos hermanos por primera vez se comunican y desde ese punto se comienza a develar la verdad se produce la afectividad la complicidad de los dos, el hermano trata de convencer a su hermana que esta metida en su fantasia que su esposo es una mentira que su propio matrimonio es una farza.
El hermano trata de onvencer que su propia madre es un ser destructivo y que los dos estan en riesgo y que deben luchar por lo justo, ahora sabemos que el padre es un hombre totalemnte contrario a lo que realmente se visualizaba tambien fue engañado.

Todo esto va a un fin dramatico su fin de los dos hermanos es conseguir su objetivo como se plantea en Aristoteles para conseguir el objetivo deseado existen estrategias es decir acciones y obstaculos es decir resistencias.
Tenemos estrategias concientes o inconcientes que se van encadenando para desenmascarar a la madre, encararla depesu de tanto años, los dos hermanos piensan en destruirla y que ella se de cuenta de su ser malvado es decir un develamiento y que ese fin sea suicidarse por consiguiente tener la reindicacion del padre.

Caracteristicas del hijo: .nuca se va hacer justicia con lo que esta pasando, nunca va a poder luchar con algo injusto se siente derrotado ya que es un abogado y a la vez un artista frustrado, siente un frio no solo fisico si no internamente y que lucha insesantemente por su padre ya fallecido.
Tiene un caracter de debilidad una extraña pasividad adicto al alcohol se autencierra en la tristeza y la melancolia y desde su melancolia y la hermana en su paralizacion se desarrolla un acto de revelacion salen de esa debilidad, despeirtan los dos del sueño y se hace mas palpable la realidad que viven, tiene los dos una capacidad de adquirir conciencia y fortaleza pero que atravez de la verdad llega la muerte de la madre que afirma haber sido una mala madre pero que no era su culpa si no que sus padres y la crianza estaba maldita, con un incendio en la casa quema por completo cada habitacion dentro de ella los dos hermanos abrazados, el incendio como metafora de limpieza, de quemar lo malo y renacer pero el unico fin para poder empezar de zero era la muerte atravez del incendio y del fuego.

Semiotica

La semiotica va a corresponder a la identificacion y luego la organizacion del soporte.
Si hablamos de los signos (todo lo que evoca), son aquellos que tienen un significado y un significante.
El significado esta relacionado con las sensaciones o as sonoridades del signo esta mas alla de los conceptos, tambien dentro de los signos tienen una ficcionalidad y una contrariedad es decir un signo dentro del soporte puede presentar relaciones o conoxiones pero tambien esas conexiones pueden ser una contraposicion frente a una situacion o que este dentro del soporte, ya que los signos estan organizados de una manera especifica.
Un ejemplo es la pelicula de El viaje de Korosawua, los signos dentro de este soporte son por ejemplo los cuadros de la sala, el cuerpo del protagonista, la aparicion del puente en la escena, mujeres lavando, el hombre que entra al cuadro, etc.
Pero tambien tenemos una subdivision dentro del soporte ya que se produce este viaje onirico y el aviaje corporio: ellos son la busqueda al camino de las pinturas de Vincent el busca encontrarse con el , llega para aprender, un viaje de los sueños donde el cuerpo pasa de la pintura del artista a la realidad onirica de las propias pinturas del autor.

(Bella de Dia) :pelicula.....Los sueños de Kurosawa

Hecha en francia de 1966, director: Luis Buñuel,
Sévérine, una joven casada con un atractivo cirujano, descubre la existencia de la prostitución matutina. Curiosa, Sévérine ingresa a la casa de citas de Anaïs y termina acostumbrándose a una doble vida. La aparición de Marcel, un delincuente que se enamora de Sévérine, complicará la cómoda situación de la protagonista es aqui donde se representa los sueños eroticos de una mujer donde sus sueños es el lugar placentero para vivir y sentir lo que ella realmente queria sentir siendo que en su vida real se prostituye , dos paralelos casi ironicos, quizas poco entendibles, pero lo fasinante es adentrarse en el mundo de sus sueños y la vida paralela
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Ocho relatos basados en los propios sueños del director nipón Akira Kurosawa. La relación del hombre con su entorno, la infancia, el arte, la espiritualidad, la muerte y la ecología son algunos de los temas abordados por Kurosawa, al tiempo que refleja las mutaciones socioculturales que ha sufrido Japón a lo largo del siglo XX.
Una pelicula inolvidable, estilo pos-imprecionista relacionado con el artista Vincent Van Gogh, podemos analizar dentro de esta pelicula que esta dentro de un soporte tras otro soporte, es decir Korosawua entra al cuadro pasando a los paisajes reales de Vincent.
Existe un texto poetico sobre este maravilloso viaje, habla de su trazo, la naturaleza vista por un caracter determinado y esta traducida por el mismo autor. (Bodeliere).